Praxis Film

Eugene Vale hat mit diesem Buch einen KIassiker zum Thema Drehbuchschreiben geschaffen. Mit analytischem Verstand und dem Sprachwitz des großen Geschichtenerzählers stellt er die Eigenheiten des Schreibens für Film und Fernsehen dar und zeigt dabei die erfolgreiche Anwendung der dramatischen Struktur dieser Erzählkunst. Mit anschaulichen Beispielen führt er den Leser von der ersten Idee bis zum produktionsfertigen Drehbuch. Sowohl für den Fachmann als auch für den Laien bietet dieses Standardwerk über das Drehbuchschreiben eine Fülle von Anregungen und praktischen Hilfen beim Umgang mit den Medien Film und Fernsehen.

Im Zeitalter von Digital-Editing könnte der Begriff »Filmmontage« nostalgische Sehnsucht nach der Zelluloid-Ära hervorrufen, wäre mit Montage nicht bis heute eine generelle Gestaltungsmöglichkeit des Films gemeint. Raue und abrupte Schnitte beispielsweise, die sich nicht mehr an die Regeln des Coverage-Systems und seines 180-Grad-Schemas halten, sind selbst im Mainstream Cinema kein Hindernis mehr, Jump-Cuts und Match-Cuts gehören nicht nur bei MTV zum Montagerepertoire. Das Buch behandelt die Praxis und die Prinzipien der Filmmontage durch verschiedene Autoren und unter verschiedenen Ansätzen. In Überblicks- und Schwerpunktartikeln werden Metier, Standards, Konventionen und Prinzipien des Filmschnitts reflektiert und im geschichtlichen Zusammenhang gesehen. Die praktische Anschauung und konkrete Erfahrung im Schneideraum kann und will es jedoch nicht erSetzen. Ziel des von Hans Beller herausgegebenen Handbuchs ist es, den Praxisorientierten die Theorie und den Theoretikern die Praxis der Filmmontage zu vermitteln. Mit Beiträgen von Stefan Arnsten, Thomas Balkenhol, Hans Beller, Christine N. Brinckmann, Oksana Bulgakowa, Jo Heim, Ursula Höf, Andreas Köbner, Joachim Paech, Jan Marie Peters, Rudi Reinbold, Gerhard Schumm, Hans J. Wulff.

"Casting is ninety percent of a motion picture", meinte Regisseur Robert Altman. Sein Kollege Milos Forman ging einen Schritt weiter: "Casting is everything!" Ein guter Cast ist der Garant für den künstlerischen, vor allem aber für den wirtschaftlichen Erfolg einer Filmproduktion. Tina Thiele stellt detailliert und umfassend ein Berufsfeld vor, das im Hintergrund eine Schlüsselrolle einnimmt. So sind Casting Directors für Schauspieler die Türöffner zu begehrten Produktionen, für Regisseure stellen sie eine beratende, für Produzenten und Redakteure im Hinblick auf die Auswahl der Schauspieler eine objektive Instanz dar. Anhand eines historischen Vergleichs zeigt die Autorin, wie sich die deutsche Casting-Branche im Vergleich zur amerikanischen entwickelt hat. Im folgenden, ausführlichen Praxisteil stellt sie anhand vieler konkreter Beispiele alle an einem Casting Beteiligten, aber auch das Berufsbild des Casting Directors selbst vor. Schauspielern gibt Tina Thiele darüber hinaus wertvolle Tipps für das professionelle Eigenmanagement: Wie bewerbe ich mich richtig? Was muss ich bei einem Live-Casting beachten? Zahlreiche Interviews mit deutschen und internationalen Casting Directors sowie deren Filmografien geben vielfältige Einblicke in das Berufsbild. Ein Serviceteil informiert über wichtige Kontakte, Adressen und Links.

Wie wird man Regisseur? Warum wird man Regisseur? Béatrice Ottersbach und Thomas Schadt baten namhafte Regisseure, über Lebenswege und Beweggründe zu berichten und zu erklären, warum sie diesen Beruf gewählt haben und ihn auch heute noch ausüben. "Regiebekenntnisse" erlaubt Einblicke in die Arbeit von Regisseuren, die hier und heute arbeiten und kristallisiert dabei unterschiedliche Prioritäten, Ansätze, Arbeitsmethoden aber auch Gemeinsamkeiten heraus. Es existierten keine vorgegebenen Interviewschablonen oder Fragenkataloge. Alle 18 Regie-Autoren unterschiedlicher Generationen, unter ihnen auch Andreas Dresen, Dani Levy, Margarethe von Trotta, Andres Veiel oder Wim Wenders, Setzten persönliche Schwerpunkte. Sie berichten über ihre Motivationen, über die Wirklichkeit von Projektentwicklung und -finanzierung, über Geschichten, die sie erzählen, die Zusammenarbeit mit Schauspielern und Team, über das Leben am Set, Bilder, die sie suchen oder finden, Erfolge und Misserfolge und über die Arbeit für Kino oder Fernsehen. Alle Regiebekenntnisse werden von Kurzporträts der jeweiligen Regisseure begleitet. Das Buch richtet sich an Film- und Fernsehregisseure, -produzenten, -redakteure, Schauspieler, Agenten, Kameramänner/frauen und solche, die es gerne werden wollen.

Schauspieler: Ein Traumberuf? Nachdem Béatrice Ottersbach und Thomas Schadt für die »Regiebekenntnisse« namhafte RegisseurInnen aufgefordert haben, über ihren Beruf zu berichten – richten sie sich nun mit ihrer Ko-Herausgeberin Nina Haun an deutschsprachige Schauspieler: Wie wird man eigentlich Schauspieler? Und warum wird man Schauspieler? Kaum ein Beruf ist glamouröser, und kaum ein Beruf Setzt seine Akteure mehr der Verwundbarkeit aus. Wie ist das, immer wieder in die Haut anderer Menschen zu schlüpfen, mit ihnen zu verschmelzen – und sie dann wieder loszulassen? Wie kommt man an Rollen? Welche Rolle kann ein Darsteller ausfüllen, welche muss er ablehnen? Wie nähert man sich diesen an und wie Setzt man sein Handwerk am Set um? Schauspielerpersönlichkeiten wie Marie Bäumer, Christian Berkel, Daniel Brühl, Sylvester Groth, Hannah Herzsprung, Paula Kalenberg, Ulrike Kriener, Maren Kroymann, Ulrich Matthes, Anna Maria Mühe, Christiane Paul, Axel Prahl, Max Riemelt, Udo Samel, Andrea Sawatzki, Edgar Selge, Robert Stadlober, Matthias Schweighöfer, Katharina Wackernagel, Felicitas Woll und Rosel Zech geben mit subjektiven Texten aus ihrer jeweiligen Sicht als praktizierende Künstler einen persönlichen Einblick in ihren Beruf. Alle Schauspieler-Bekenntnisse werden von Kurzporträts der jeweiligen Schauspieler begleitet. Das Buch richtet sich an Film- und Fernsehschaffende und an Cineasten.

Warum läuft sonntags um 20:15 Uhr der Tatort in der ARD? Warum sendet RTL am Dienstag gleich drei Krimis hintereinander? Und vor allem: Warum gibt es überhaupt so viele Krimis im deutschen Fernsehen? Dennis Eick erklärt die Mechanismen, Tricks und Prämissen der Programmplanung: Es werden die Hintergründe für die Positionierung von neuen Shows und Serien in bestimmte »time slots« dargestellt, die Rollen, die Spielfilme und TV-Movies spielen, oder auch die Bedeutung der Nachrichten für die TV-Sender. Eick wirft einen Blick auf die inhaltliche Ausgestaltung der Sendeplätze und erläutert, was TV-Sender von ihren Programmzulieferen erwarten. »Programmplanung« zeigt die Strategien für die Positionierung von neuen Formaten auf und erläutert die Hintergründe für das Ein- oder AbSetzen von Formaten. Dabei werden die Unterschiede zwischen öffentlich-rechtlichen und privaten Sendern deutlich. Das Buch stellt darüber hinaus die ökonomischen Grundlagen der Programmgestaltung dar und erläutert das weiterführende Marketing der Fernsehsender. Kurz: Es erklärt, warum TV-Sender erfolgreich sind – oder eben nicht. Das Buch richtet sich an Leser, die selbst für das Fernsehen produzieren und für die, die es neugierig konsumieren. Es spannt einen Bogen von den Anfängen bis hin zur digitalen (Fernseh-) Welt der Zukunft.

Die Fortführung der erfolgreichen Einführung »Exposee, Treatment und Konzept«! Während diese Einführung Technik, Theorie und Funktion dieser Verkaufs- und Arbeitsinstrumente erklärt, vertieft der vorliegende Band die Themen. Er beschäftigt sich mit der Stoffentwicklung und konzentriert sich darüber hinaus auf bislang noch nicht behandelte Textsorten wie das »Pitch Papier«, die »Autorenbibel« oder auch das Konzept für dokumentarische Formate. Dennis Eick zeigt Drehbuchautoren, Produzenten und Filmstudenten Wege, wie sie ihre Ideen erfolgreich formulieren und ihren Stoff verständlich aufbereiten können, um mit ihnen ihre Leser zu überzeugen. Dies geschieht durch konkrete Hinweise und vor allem durch die Präsentation zahlreicher Stoffe, die die Leser bereits endgültig überzeugt haben – die Stoffe sind alle Grundlagen bekannter Filme und Serien gewesen. Das Buch versammelt die Serienkonzepte von erfolgreichen Formaten wie »Berlin, Berlin«, »Der Kriminalist«, »Schulmädchen« oder auch dem Doku-Format »Männer allein zu Haus«. Es präsentiert die Exposees und Treatments von sehr unterschiedlichen, aber allesamt erfolgreichen Filmen wie »Auf der anderen Seite«, »Die Flucht«, »Neues vom Wixxer«, »Alles auf Zucker«, »Dresden« oder des ProSieben Funny Movies »Dörte’s Dancing«.

»Rom brennt.« Wenn dieser Satz Ihr Drehbuch eröffnet, haben Sie bereits mehrere Millionen Euro ausgegeben. Nur selten jedoch fragen sich Drehbuchautoren, was die faszinierende Welt kostet, die sie mit ihren Worten erschaffen. Oft ist die UmSetzung der Geschichten teurer, als die Autoren gedacht haben. Dieses praxisorientierte Buch richtet sich an alle, die verstehen wollen, warum sich die Produzenten die Haare raufen, warum der Produktionsleiter bei der Buchlektüre blass wird, und warum der Redakteur dann dennoch sagt: »Prima, machen wir – wenn Ihr das für das vereinbarte Geld hinbekommt!« Denn ob ein Drehbuch realisiert wird oder nicht, hängt nicht allein von der Qualität des Drehbuchs ab, sondern in erster Linie auch von den kalkulierten Kosten. Die Produktionsleiterin Vera Hartung und der Drehbuchautor Dennis Eick behandeln anhand von zahlreichen Beispielen die wesentlichen Aspekte des Drehbuchs wie Motive, Figuren, Ausstattung, Special Effects, Stunts und Action sowie deren Kosten bei der UmSetzung. Neben ausführlichen Kalkulationsbeispielen geben die Autoren konkrete Ratschläge, was am Drehbuch zu verändern ist, wenn die Kosten gesenkt werden müssen. »Was kostet mein Drehbuch?« richtet sich an Drehbuchautoren, Filmstudierende und Berufsanfänger in der Film- und Fernsehproduktion.

Das Standardwerk über die Planung und Realisierung von Fernseh- und Kinofilmen liegt jetzt in mittlerweiler fünfter, neu überarbeiteter und aktualisierter Auflage vor. Experten aus der Praxis stellen Berufsbilder in Regie und Produktion vor und geben einen Überblick über die Organisation des gesamten Drehverlaufes vom fertigen Drehbuch bis zur Sende- und Vorführkopie. Sie schildern anhand zahlreicher Beispiele die professionellen Standards, die in Deutschland bei einer Film- oder Fernsehproduktion derzeit üblich sind, und geben wertvolle Hinweise für (angehende) Filmemacher. Dazu erklären sie die Aufgaben eines Casting Directors oder auch eines Filmgeschäftsführers, geben Einblick in den Ablauf einer Filmmusikproduktion, skizzieren die Rechte der Filmschaffenden, den Aufbau von gängigen Kalkulationsformularen und auch was bei Produktionsversicherungen und Completion Bonds beachtet werden sollte. Darüber hinaus zeigen sie, welche Möglichkeiten der Film-PR es gibt und wie Film Commissions als Non-Profit-Organisationen eine wachsende Bedeutung zukommt. Neu enthalten ist außerdem ein Beitrag zum Thema »analoge oder digitale Aufnahme« sowie zur Postproduktion. Mit Beiträgen von Gerhard Bergfried, Käthe Niemeyer, Nina Haun, Frank Hübner, Marianne Gassner, Cornelia Schmidt-Matthiesen, Markus Yagapen, Andreas Lichtenhahn, Ralf Kitzberger, Julia Kainz.

In »Filmmusik-Bekenntnisse« geben u.a. Christine Aufderhaar (»Die Entdeckung der Currywurst«), Gerd Baumann (»Wer früher stirbt, ist länger tot«), René Dohmen und Joachim Dürbeck (»Selbstgespräche«), Karim Sebastian Elias (»Gerdas Schweigen«), Jörg Lemberg (»Der geheimnisvolle Schatz von Troja«), Matthias Raue (»Shanghai Baby«), Dirk Reichardt (»Keinohrhasen«), Niki Reiser (»Im Winter ein Jahr«), Enjott Schneider (»Schlafes Bruder«), Hans Peter Ströer (»Die Buddenbrooks«), Martin Todsharow (»Hilde«), Konstantin Wecker (»Die weiße Rose«), Andreas Weidinger (»Schmetterlinge der Nacht«), Stefan Will (»Jerichow«), Andreas Wodraschke (»Die fetten Jahre sind vorbei«) u.a. Einblicke in die Arbeit des Filmkomponisten. Diese »O-Töne aus der Praxis« geben Aufschluss darüber, wie und mit welchen Mitteln eine Filmmusik entsteht, wie sich der Musiker mit der Regie über die Art der Komposition verständigt, ob die Musik den Film tragen oder ob sie zurückhaltend sein muss, welche Rolle sie in der Dramaturgie haben soll, ob es eine Ton-Collage oder eine symphonische Komposition sein soll und wie sich dieser Berufstand im kreativen Prozess einer Filmproduktion sieht. Wie die vorangehenden Bekenntnisse-Titel richtet sich dieses Buch an Film- und Fernsehschaffende sowie an Filminteressierte, die wissen wollen, wie Filme ihre eigene Sprache bekommen. Alle Filmmusik-Bekenntnisse werden von Kurzporträts der jeweiligen Autoren begleitet.

Die deutsche Film- und TV-Branche hat sich in den letzten Jahren stark verändert. Neue Technologien und Workflows wie die digitale Kamera- und Kinoprojektionstechnik konnten sich nahezu flächendeckend durchSetzen. Aber nicht nur die Produktionstechnik hat sich evolutionär weiterentwickelt. Auch alternative Abspielplattformen, Pay-TV- wie Pay-per-View-Optionen und Streaming-Media-Angebote haben den Markt unabänderlich verwandelt und erweitert. Die Anforderungen hinsichtlich Qualität, Technik und Budget an die Filme, die zu wirtschaftlichen Erfolgen werden sollen, stiegen dabei stetig. Um unter diesen gewandelten Herausforderungen langfristig bestehen zu können, müssen die innovativen Technologien in der Filmherstellung ihre Ergänzung in neuen, dem Wandel angepassten Finanzierungs- und Erlösmodellen finden. Eckhard Wendling zeigt aktuelle Möglichkeiten und Entwicklungen auf, unter denen Film- und TV-Produktionen heute und in Zukunft finanzierbar werden. Dazu sollte sich die Vielzahl neuer Verwertungsmöglichkeiten mit einem Mehr an geschäftlichem Risiko und einem Mehr an Erfolgsbeteiligung verbinden. Die klassische Wertschöpfungskette aus Kinopremiere, DVD-Veröffentlichung und Fernsehausstrahlung wird in komplexere Wertschöpfungsnetzwerke überführt, die den Produzenten stärken und finanziell unabhängiger werden lassen. Gefordert sind hier Produzenten, die diese Herausforderungen annehmen, um sich so letztlich sowohl von der öffentlichen Hand, der Filmförderung wie auch von den großen Sendern zu emanzipieren.

Um Regeln zu brechen, muss man sie kennen. Was aber wäre, wenn der beste Weg, um die Regeln kennen zu lernen, der wäre, eben diese zu brechen? Christina Kallas hat eine Methode des kreativen Drehbuchschreibens entwickelt, um die Fantasie, die künstlerische Sensibilität zu wecken und Ideen zu aktivieren: Wie erfinde ich als Autor Geschichten? Was befördert meine Kreativität, und was blockiert sie? Wie komme ich auf den Kern einer Geschichte? Wie dramatisiere ich Emotionen und Gedanken? Ihr »äußerst lebendiges, hilf- und lehrreiches« (SCRIPT) Buch liegt nun in zweiter, aktualisierter Auflage vor. Hilfreich ist die Methode der Improvisation für Autoren vor allem bei der Erstellung des Treatments und der ersten Drehbuchfassung – für die Idee, die Geschichtenfindung, für den thematischen Reichtum, die emotionale Tiefe, den Rhythmus. Christina Kallas stellt aber zugleich eine Strukturtheorie vor, die »Emotionale Struktur«, die auf dem zu identifizierenden »emotionalen Thema« basiert. Die Autorin zeigt, wie mit Hilfe dieser Strukturtheorie an traditionellen Drehbüchern auf einer tieferen Ebene gearbeitet werden kann, aber auch wie nicht-lineare und nicht-plot-orientierte Drehbücher und Filme analysiert werden können; etwas, was mit der bisherigen Drehbuchtheorie unmöglich erschien. Ihr Buch umfasst Theorie, Filmanalyse und zahlreiche praktische Übungen des kreativen Schreibens.

Der Bedarf an non-fiktionalen Unterhaltungsformaten ist groß: Er beschränkt sich nicht mehr nur auf das klassische »On Air«-Fernsehen, sondern erstreckt sich zunehmend auf zusätzliche, onlinefähige Medienkanäle, die über Computer, Smartphones oder Tablets abgerufen werden können. Das erste Buch mit umfassenden Informationen und praxisnahen Anleitungen zur Formatentwicklung non-fiktionaler Bewegtbildangebote – ergänzt um Best Practices, Interviews mit Experten aus der Branche und idealtypischen Konzepten. Im ersten Teil des Buchs stehen die Grundlagen des TV Developments im Zentrum: Wie gestaltet sich der Kooperationsprozess zwischen Produktionsunternehmen und Sendern und welche Instrumente stehen zur Verfügung, um den Programmbedarf von Sendern zu evaluieren? Es wird ferner aufgezeigt, wie der Prozess der Ideenentwicklung organisiert und Formatideen generiert werden können. Zudem wird am Beispiel von Reality TV-Formaten, Quiz- und Gameshows dargestellt, welche Besonderheiten bei der inhaltlichen Ausgestaltung zu beachten sind. Gezeigt wird, wie Konzepte für Formatideen aufgebaut sein müssen, wie man sich auf den Pitch bei den Senderverantwortlichen vorbereitet, ein Pitch-Tape auszusehen hat und sich die Rechtslage hinsichtlich des Formatschutzes gestaltet. Im dritten Teil werden die spezifischen Herausforderungen beim Development von transmedialen Formaten erklärt: Wie können die Handlungsstränge über die verschiedenen Medienkanäle hinweg strukturiert werden und welche Steuerungsoptionen bestehen, um Entwicklungs-, Produktions- und Konsumtionsrisiken zu mindern.

Für Filmemacher mit knappem Budget war die Chance nie so groß wie heute, Filme herzustellen, die technisch herausragend gemacht sind. Die Filme der neuen Könner sehen aus, als wären sie in Hollywood mit großer Ausrüstung gedreht. Dabei sind sie ohne übertriebenem finanziellem Background geschaffen worden. Frank Sauerland erklärt, was für einen guten Film an technischer Ausstattung wirklich notwendig ist und worauf der engagierte Filmemacher bei Kameras und Zubehör Wert legen sollte – und was er sich sparen kann. Er gibt Tipps zur Organisation einer Filmproduktion aus langjähriger Praxis und verrät, wo sich Fallen verbergen. Damit der Musikclip, der fiktionale Film oder die Dokumentation unterhaltsam, spannend und informativ geraten, ist mehr denn je eine ausgefeilte Dramaturgie nötig. Nur so hat das eigene Werk in der steigenden Flut der Filmveröffentlichungen eine Chance auf Erfolg. Die Neuausgabe von »Hollywood für Sparfüchse« gibt hier verstärkt Hinweise und Hilfestellungen. Doch was nützt der schönste, der spannendste, der witzigste Low-Budget-Film, wenn er nach seiner Fertigstellung keine Plattform findet, auf welcher er gezeigt werden kann? Der Autorenfilmer sollte die Realitäten des Marktes kennen, bevor er ihn betritt: »Hollywood für Sparfüchse« zeigt praxiserprobte Wege in die Öffentlichkeit und zur Refinanzierung – verschweigt aber auch Sackgassen nicht.

Wie funktioniert Postproduktion (Endfertigung) heute im »klassischen« TV-Bereich? Wie wird ein Fernsehfilm oder eine Fernsehserie nach dem Dreh fertiggestellt? Mit seiner langjährigen Erfahrung als Leiter der Postproduktion zeigt Arne Möller, was für verschiedene Aufgaben und Arbeitsabläufe bis zur Abgabe des Sendebands bzw. des fertigen Produkts anfallen. Es lässt sich im Rahmen einer Filmproduktion eine zunehmende Professionalisierung und immer klarer werdende Struktur von Arbeitsabläufen beobachten: Das Zeitalter des digitalen Films, die Zunahme der Technisierung und die weltweite Programmvielfalt bei immer kleiner werdenden Budgets von Auftragsproduktionen machen dies zwingend erforderlich. Nur durch produktoptimiertes Arbeiten kann die Marktposition gesichert werden. Arne Möller beleuchtet sowohl den klassischen, auf Film gedrehten Endfertigungsweg, als auch den modernen, mit auf HD gedrehten Medien. Er führt zudem in relevante kaufmännische und rechtliche Grundlagen ein und zeigt, was bei der Tonbearbeitung sowie der Zusammenarbeit mit einem Komponisten zu beachten ist. Sein Buch soll Filmstudenten, aber auch Filmschaffenden aus der Praxis als Leitfaden und Unterstützung dienen. Mittels eines Baukastenprinzips von konkreten Fallbeispielen gibt er dem Leser Werkzeuge an die Hand für eine eigene Endfertigungsplanung. Musterformulare sowie ein Glossar mit wichtigen Fachbegriffen runden den praxiserprobten Band ab.

Wie erzählt man eine originelle filmische Geschichte? Worin liegt der Schlüssel zu einem unverwechselbaren, dreidimensionalen Charakter? Nicole Mosleh zeigt, wie Sie sich Zugang zu kreativer Energie und zum eigenen, unbegrenzten Ideenpool verschaffen. Egal ob Sie bislang nur eine vage Idee von einer Geschichte haben oder aber schon länger an einem Filmstoff arbeiten. Während sich die meisten Bücher zum Drehbuchschreiben oft ausschließlich mit dramaturgischen Modellen beschäftigen und sich zwar als Analyseinstrumente eignen, aber nicht als Anleitung fürs Drehbuchschreiben, hilft dieses Buch, die eigenen Figuren und Geschichten im Kopf aufs Papier zu bringen und zum Leben zu erwecken. Um eine Geschichte packend zu erzählen, genügt es nicht, mechanisch einem theoretischen Modell zu folgen. Wahrhaftige Geschichten, die das Publikum berühren, findet man auf diese Weise nicht. Nicole Mosleh richtet sich mit ihrem Buch an alle, die sich in das Abenteuer des Schreibens stürzen möchten. Sie vermittelt konkrete Techniken und zielgerichtete Übungen, die den Leser anschaulich und praxisnah, jenseits von formelhaften Strukturmodellen, in sämtlichen Phasen des Drehbuchschreibens begleiten und ihm dabei helfen, authentische und originelle Geschichten filmisch zu erzählen.

Alle Medien werben um die Zeit ihrer Nutzer. Die digitalen Möglichkeiten, Menschen zu unterhalten, sind nahezu unendlich, deren Aufmerksamkeit jedoch ist naturgemäß begrenzt. Webserien, Games, E-Books, Viral Spots und Transmediale Geschichten – all dies sind neue Formate, in denen auch neue Erzählweisen ausprobiert werden. Doch nach welchen GeSetzmäßigkeiten funktionieren diese? Ist es die bekannte Dramaturgie – oder müssen Autoren und Kreative heute ein neues ABC lernen? Dennis Eick zeigt, welche neuen Erzählformen durch das Internet und die technischen Möglichkeiten der Digitalisierung realisiert werden können. Er stellt zahlreiche Beispiele aus dem nationalen und internationalen Bereich vor und führt Interviews mit namhaften Fachleuten aus den einzelnen Genres. Dabei stehen nicht nur die Dramaturgie, sondern auch die wirtschaftlichen Bedingungen und konkreten Arbeitsfelder für Kreative im Vordergrund. Denn nicht nur die Grenzen zwischen Film und Games schwinden, sondern beide Medien nähern sich immer stärker an. Das Gleiche findet auch in der vielbeschworenen Konvergenz von TV und Internet statt, welche zum Beispiel in den vielen Social Media-Anwendungen immer neue Erzählformen generiert. Geschichten verändern sich, überschreiten die Grenzen der einzelnen Medien, ob sie linear oder non-linear erzählt werden, ob sie einen passiven Zuschauer oder einen aktiven Konsumenten ansprechen. Erstmals zeigt ein Buch die GeSetze und Möglichkeiten auf, mit denen Geschichten heute und in Zukunft erzählt werden können.

John D. Rockefeller soll gesagt haben, dass es besser sei, einen Tag im Monat über sein Geld nachzudenken, als einen ganzen Monat dafür zu arbeiten. Heute ist dieser Tag! Henning Fuchs erklärt, wie man sich als Film- und Medienkomponist im undurchsichtigen Dschungel der deutschen Bürokratie erfolgreich behauptet. Er fasst alle wichtigen Informationen vom Steuerrecht, über die Wahl der Krankenkasse bis hin zu Urheber- und Leistungsschutzrecht kompakt und leicht verständlich zusammen. Dabei gibt er konkrete Antworten auf Fragen wie: Welche VorausSetzungen muss ich erfüllen, um über die Künstlersozialkasse versichert zu werden? Wie melde ich mich als Komponist beim Finanzamt an? Wann ist ein musikalisches Werk schutzfähig? Welche Musikaufnahmen darf ich frei und ohne rechtliche Probleme samplen? Was habe ich als Komponist von der GVL? Wann ist eine Mitgliedschaft bei der GEMA sinnvoll und gibt es Alternativen? Was muss man beachten, wenn man Musik auf die eigene Website stellt oder eigene Musik auf fremde Websites? Komponisten erhalten einen praxiserprobten Überblick über das bestehende System. Ob als Überlebenshilfe bei Umsatzsteuer und Krankenversicherung oder Themen wie GEMA, Leistungsschutz- und Urheberrecht – der Ratgeber hilft, die richtigen Entscheidungen zu treffen.

»Nichts ist spannender als die Realität«: Ganz nach diesem Motto teilt der mehrfach prämierte Dokumentarist Thomas Schadt seine Leidenschaft für den Beruf des Dokumentarfilmers mit uns. »Dokus« boomen wie nie zuvor, ob im Fernsehen, im Internet oder auch im Kino. Doch was ist bei all der Vielfalt dokumentarischer Formate und Methoden mit dem klassischen Dokumentarfilm als Autorenfilm, der mehr von der persönlichen Handschrift eines Autors lebt als von einem vorgegebenen Format? Nach einer kurzen aufschlussreichen Reise durch die Theorie des Dokumentarfilms, weiht Thomas Schadt uns auf äußerst lebendig-unterhaltsame Weise in die Praxis und Realität seines Berufs ein: von der Idee, Recherche, dem Exposé, der Finanzierung, des Teams, der Dreharbeiten, dem Schnitt … bis hin zur Filmpremiere. »Alles ist Dramaturgie, Dramaturgie ist alles« – und dann ist da aber auch der unumstößliche Glauben an die eigene Filmidee, die hohe Kunst des Wartens, die Fähigkeit, mit unvorhergesehenen Ereignissen zu improvisieren, die immense Verantwortung gegenüber den Protagonisten und vieles mehr. Wie eigen und unberechenbar dokumentarische Arbeitsprozesse sein können, erzählt Thomas Schadt in zahlreichen spannenden Beispielen 35 Jahren Arbeit als Filmemacher. Mit großer Offenheit und Ehrlichkeit berichtet er von der Entstehung seiner Filme über den Amokläufer Robert Steinhäuser, über Helmut Kohl und über Christian Wulff und lässt uns unmittelbar an seinem reichen Erfahrungsschatz teilhaben.

Was sich nicht gut anhört ist auch nicht gut, diese Erfahrung hat sicher schon jeder gemacht. Damit Ihr Film auch akustisch voll überzeugt, hat Achim Dunker alles Entscheidende für eine gelungene Tonaufnahme zusammengestellt. Hochinformativ und dabei klein und kompakt. Zweisprachig in Deutsch und Englisch.

Zuschauer konzentrieren sich in der Regel auf das Bild, meinen gar, das Visuelle sei das Wichtigste beim Film. Aber ohne Ton ist das Filmbild oft weniger als die Hälfte: »Erst der Knall macht aus einem rauchenden Rohr ein Gewehr«! Das falsche Mikrofon, die verkehrte Position, fehlendes Zubehör oder Bedienungsfehler... auf diese simplen Schlagwörter lassen sich fast alle Tonprobleme reduzieren. Denn die entscheidenden Fehler werden meist schon bei der Aufnahme gemacht und lassen sich im Nachhinein auch nicht mehr verbessern. Achim Dunker macht Sie fit für Mikrofonauswahl, Aufstellung, Aufnahme, Schnitt, für Sounddesign und Mischung.

Bewegtbilder sind zum festen Bestandteil der Unternehmenskommunikation geworden. Der Unternehmensfilm gilt heute als die Visitenkarte eines Unternehmens. Durch den Verbreitungsweg Internet und die Möglichkeiten der digitalen Produktion ist ein gelungener Filmauftritt nicht mehr nur finanzstarken Konzernen vorbehalten, sondern er ist eine Chance für jedes Unternehmen. Wolfgang Lanzenberger und Michael Müller liefern den Beweis dafür, dass Unternehmensfilm nichts mehr mit den drögen Industriefilmen des letzten Jahrhunderts verbindet. Schritt für Schritt führen sie praxisorientiert in Konzeption, Produktion und Präsentation von Unternehmensfilmen ein und zeigen, wie Unternehmensfilme die ganze Vielfalt filmischer Gestaltungs- und Produktionsmöglichkeiten ausschöpfen. Die Zweitauflage präsentiert neue Kameragenerationen und innovative Formate wie Employer-Branding-Filme. Zudem gehen die Autoren auf die wachsende Bedeutung von Social Media-Plattformen sowie Mobile-Anwendungen, Apps oder auch die zunehmende Nutzung von Tablets ein. Das Buch richtet sich an Unternehmen, die sich über zeitgemäße Formen filmischer Kommunikation und Präsentation informieren möchten. Zum anderen bietet es Praktikern aus der Filmproduktion, die sich mit dem Unternehmensfilm ein neues Betätigungsfeld erarbeiten wollen, zahlreiche Tipps und praktische Hilfestellung.

Das Genre ist die narrative DNS jeder Story und seine Wahl somit die wichtigste dramaturgische Grundsatzentscheidung, die Drehbuchautor*innen und Schriftsteller*innen treffen müssen. Die über Jahrhunderte hinweg ausgeprägten Wirkmechanismen von Genres bestimmen die rituelle Kraft, mit der Filme, Serien, Literatur und Videogames Milliarden Menschen in ihren Bann ziehen. Aber welche Erzählformen gibt es überhaupt und an welchen oft fließenden Grenzen machen sich ihre Eigenheiten fest? Wie mischt man Genres miteinander und spielt mit ihren Konventionen? Welche sind kommerziell besonders erfolgreich und warum? Wie berücksichtigt man die Sehgewohnheiten der Zuschauer*innen und welche Rolle spielen Trends und Zeitgeist dabei? Und was ist der Grund, warum sich die deutsche Kultur mit diesem Thema so schwertut?

Dieses Buch ist als Nachschlagewerk für alle gedacht, die Spaß daran haben, moderne Geschichten für ein breites Publikum zu entwickeln und dabei nach einer gemeinsamen Sprache suchen. Es bietet erstmals ein nachvollziehbares Kategorisierungssystem für Film- und Seriengenres an, das jedoch genauso für Romanciers und Gamewriter einen hohen Nutzwert bietet. Das typische Figurenpersonal, Konfliktfelder, Themen und Motive aller wichtigen narrativen Gattungen werden übersichtlich vorgestellt, miteinander verglichen und anhand zahlreicher Beispiele illustriert. Das Buch regt dadurch zu neuen Betrachtungsweisen der Storykonzeption an, die deutsche Fiction-Autoren fit für das Streaming-Zeitalter machen sollen.

Film ist Kunst. Wir denken an geniale Regisseur*innen und talentierte Schauspieler*innen. Wer aber sorgt hinter den Kulissen für den wirtschaftlichen Erfolg?

Filmgeschäftsführer*innen unterstützen Produktionsfirmen im kaufmännischen Bereich, indem sie für eine steuerrechtlich einwandfreie Finanzbuchhaltung, eine sozialversicherungsrechtlich korrekte Lohnbuchhaltung sowie eine zeitnahe Kostenkontrolle sorgen. Obwohl sie in der Regel weisungsgebunden im Angestelltenverhältnis tätig sind, leiten sie ihr Aufgabengebiet eigenverantwortlich in Abstimmung mit Produzent*in, Herstellungs- und Produktionsleitung.

Markus Yagapen vermittelt in Filmgeschäftsführung einen vollständigen Überblick über die vielfältigen Aufgaben und Zuständigkeiten der Filmgeschäftsführung während der Vorbereitung, Herstellung und Abwicklung einer Filmproduktion. Nach einer systematischen Darstellung der Grundlagen werden praxisnah spezielle Sachverhalte in den Bereichen Filmbuchhaltung, Gagenabrechnung und Filmkostenrechnung erläutert und anhand von Beispielen und Übungsfragen vertieft.

Diese 4., grundlegend überarbeitete und aktualisierte Auflage richtet sich nicht nur an Leser*innen, deren berufliche Perspektive im Bereich der Filmgeschäftsführung liegt, sondern auch an Produzent*innen, Herstellungs- und Produktionsleiter*innen sowie an alle Filminteressierte, die sich fundierte Kenntnisse über dieses facettenreiche Berufsbild aneignen wollen. Dabei geht es nicht nur um die eigentliche Arbeit der Filmgeschäftsführung, sondern insbesondere auch um entscheidungsrelevante Faktoren bei der Führung eines Produktionsunternehmens.

Kann ich meine Idee schützen? Welche Rechte muss ich bei der Produktion eines Films erwerben? Worauf sollte ich bei der Auswertung eines Films achten? Das und vieles mehr erfährt der Leser der endlich erscheinenden Neuauflage von »Filmrecht. Das Handbuch für die Praxis« des Rechtsanwalts Wolfgang Brehm. Schon die erste Auflage wurde mit besonderer Aufmerksamkeit wahrgenommen, denn das aus der Praxis für die Praxis verfasste Buch ist sowohl für Filmschaffende als auch für Juristen gleichermaßen geeignet. Das Werk gibt eine Übersicht über die geSetzlichen Grundlagen, insbesondere die geltenden nationalen, internationalen und europäischen Urheberrechtsbestimmungen und wendet sich dann den Spezialfragen des Filmurheberrechts zu. Es führt den Leser durch sämtliche »business and legal affairs« von der Idee über die Entwicklung, Finanzierung und Herstellung eines Filmwerks bis zu dessen internationaler Auswertung. Begleitet werden diese Phasen durch praxisorientierte Fallbeispiele. Die Empfehlungen orientieren sich nicht nur an den nationalen Rechtsordnungen, sondern sind in die internationalen Gepflogenheiten der Filmindustrie eingebunden. Die Neuauflage widmet sich verstärkt den immer wichtiger werdenden Rechteklärungen, den filmarbeitsrechtlichen Fragen und den Auswertungen eines Filmwerkes in den neuen Medien.

Die Anzahl von Low-Budget-Produktionen nimmt stetig zu, ihre professionelle Vermarktung und ihr Erfolg aber bleiben nur allzu oft auf der Strecke. International wettbewerbsfähige Filme zu machen bedeutet, effizient zu planen und in jeder Produktionsphase Marketing und Promotion mit einzubeziehen. Dieses praxisorientierte Buch zeigt, wie man vor, während und nach dem Dreh mit minimalen Mitteln maximale Ergebnisse erzielt, wie man realistische Konzepte zur Vermarktung von Low- Budget-Filmen erstellt, starke Unternehmens- Profile etabliert und Solidarität und Kooperation mit Marktpartnern im Low-Budget-Bereich vernetzt und fördert. Die Autoren beschreiben anhand konkreter Beispiele systematisch alle Phasen im Entstehungsprozess eines Films vom Development, über das Packaging, hin zur Produktion und dem anschließenden Verwertungsprozess sowie der Pressearbeit. Nur die optimale, individuell zugeschnittene Vernetzung und Koordination aller einzelnen Phasen in Marketing und Vertrieb kann Nischenprodukten wie Low-Budget-Filmen die große Aufmerksamkeit verschaffen, die sie brauchen, um ihre Verkaufschancen und -erlöse zu optimieren. Der Serviceteil enthält zahlreiche Musterverträge und -formulare sowie Kalkulationsbeispiele.

Bei der Herstellung eines Kino- oder Fernsehfilmes greifen die unterschiedlichsten Qualifikationen ineinander. Ganz bestimmte VorausSetzungen, Kommunikationsstrukturen, Abhängigkeiten und Risiken werden mit möglichst optimalen ökonomischen und logistischen Zeitplänen in Einklang gebracht, um mit qualifiziertem Handwerk zu einer künstlerischen Vision zu gelangen. Dabei geht es immer auch um die Polarität zwischen Film-Kunst und Wirtschaftlichkeit, um psychologische Abläufe und Wechselfälle in einem Umfeld voller Ungeplantem. Detailliert werden in diesem Buch alle Phasen der Produktion beschrieben – vom Drehbuch zum Drehplan, über die Kalkulation hin zur Tagesdisposition. Es werden die Berufsbilder im Bereich der Produktion in den einzelnen Stäben einer Filmproduktion vorgestellt. Hierarchien und Kommunikationsstrukturen, zeitliche Strukturen und Organisation in der Vorbereitungsphase / PreProduction, den Dreharbeiten / Production und der Postproduktion bis zur Abnahme oder Uraufführung vervollständigen die Darstellungen. Filme werden in einem straffen organisatorischen Rahmen produziert. Das Buch zeigt, wer wann was zu tun hat und gibt dabei einen Eindruck von den großen psychischen Belastungen und Herausforderungen einer oftmals wochenlangen Zusammenarbeit unterschiedlichster, hochqualifizierter Individuen.

'Pitching' ist das Verkaufen einer Projektidee oder einer Story in mündlicher Präsentation. Eine Aufgabe, an der auch brillante Autoren, Filmemacher und Produzenten häufig scheitern. Ein gelungener Pitch eines Filmprojekts kann nicht hoch genug eingeschätzt werden, er entscheidet in der Regel über die Chancen auf eine Realisierung. In ihrem Standardwerk liefert Sibylle Kurz Techniken und praktische Tipps, sich und die eigenen Filmprojekte prägnant und mitreißend zu präsentieren. Sie zeigt, welche ZielSetzungen man mit dem eigenen Pitch verbindet, wie man kommuniziert und mit seinen Gesprächspartnern – mit Produzenten, Redakteuren, Filmförderern oder Verleihern – ein Verhältnis aus Kreativität, Professionalität und Vertrauen herstellt. Mit der Neuauflage geht Sibylle Kurz auf die sich verändernden Marktbedingungen ein: Heute pitcht man nicht mehr nur B2B, sondern auch B2C und D2F (Direct-to-Fan). Außerdem fordert die aktive Teilnahme der Konsumenten im Netz eine noch ausführlichere AuseinanderSetzung mit der Erarbeitung und Formulierung des Themas als Schnittstelle für mehrere mediale Ebenen, sowie eine bessere Kenntnis der zu erreichenden Zielgruppen. Desweiteren wird in der Neuauflage das Schreiben von Synopsen vertieft. Übungen zur Selbstwahrnehmung des Präsentierenden sowie Körperübungen runden den Band ab.

Die kompakte Einführung in alle planerischen und finanziellen Fragen einer Filmproduktion. Kinofilme und Fernsehserien, TV-Shows und Werbespots stehen beim Publikum für Kreativität und Unterhaltung, für Spannung, Information, Kunst und Konsum. Wie aber arbeiten die Macher im Hintergrund? Welche Arbeiten sind notwendig, damit Filme nicht nur dem Zuschauer gefallen, sondern auch zum finanziellen Erfolg werden? Jede Filmproduktion braucht fähige MitarbeiterInnen, ohne die eine erfolgreiche Filmherstellung undenkbar wäre. ProduktionsleiterInnen stehen hier an einer der Schnittstellen zwischen den künstlerischen Talenten und dem Stab. Zu ihren Aufgaben gehört es, den kreativen Machern, den Autoren, Regisseuren, Schauspielern und Kameraleuten, optimale Arbeitsbedingungen zu schaffen, bei gleichzeitiger Kontrolle des vereinbarten Budgets und des Terminplans. Hier ist nicht nur ihr fachliches Know-how gefordert, sondern auch Fingerspitzengefühl im Umgang mit Künstlern. Die Filmherstellung hat sich in den letzten Jahren entscheidend verändert. Durch die umfassende Digitalisierung der Bild- und Tonaufzeichnung, der Postproduktionswege sowie der Verwertung ist die Filmherstellung schneller, flexibler und teilweise auch kostengünstiger geworden. Die ehemals kaum überwindbaren Einstiegsbarrieren für Newcomer in die professionelle Film- und TV-Produktion sind nahezu verschwunden. Die komplett überarbeitete Neuauflage des Praxisbuchs 'Filmproduktion' geht auf die aktuellen Bedingungen der Filmherstellung ein und zeigt Mittel und Wege auf, um Risiken zu erkennen und zu reduzieren.

Achim Dunker führt mit seinem Standardwerk in die Gestaltung von Licht und Schatten bei Film, Video und Fotografie ein. Er stellt die wichtigsten Scheinwerfer und technischen Hilfsmittel vor, erklärt das Lichtsetzen bei Innen- und Außenaufnahmen und gibt wertvolle Tipps zu Organisation und Zeitmanagement.

Die 7. Auflage wurde grundlegend überarbeitet und geht auf die aktuellen Entwicklungen der Filmausleuchtung ein: Die Leuchten sind leistungsstärker und flexibler geworden. Die Kameras haben eine höhere Lichtempfindlichkeit bei verbesserter Auflösung. Aber auch die Filmsprache und unsere Sehgewohnheiten haben sich weiterentwickelt. Mit dem „Guerilla Lighting“ demonstriert der Autor Wege für einen schnellen, effektiven und kostengünstigen Lichtaufbau mit modernen Filmleuchten.
Das Buch enthält zahlreiche Übungen, Filmbeispiele sowie 100 überwiegend farbige Abbildungen. Links zu Web-Tutorials des Autors über die verschiedenen Licht-Sets sind hilfreich beim Aufbau von Scheinwerfern und bei der Ausleuchtung. Interviews des Autors mit Kameramännern dienen als digitales Zusatzmaterial der Vertiefung in das Thema.

Das Buch richtet sich an Kameraleute und Fotografen sowie an Regisseure und Drehbuchautoren, die sich mit den dramaturgischen Möglichkeiten der Lichtgestaltung näher beschäftigen möchten.

Gunther Eschke und Rudolf Bohne zeigen in ihrem Praxisleitfaden, wie man moderne Serien konzipiert. Anhand der fünf erfolgreichen TV-Serien „Grey’s Anatomy“ (Medical), „Der Lehrer“ (Dramedy), „Mord mit Aussicht“ (Krimi/Comedy), „Weissensee“ (historische Eventserie) und „The Walking Dead“ (Horror) veranschaulichen sie, was professionelle Serienautoren heutzutage können müssen: Figuren dreidimensional zeichnen, Genre-Konventionen bewusst einsetzen und ein großes Spektrum an Erzählweisen beherrschen.

Die zweite Auflage dieses Standardwerks wurde stark überarbeitet und alle Serienbeispiele aktualisiert. Ein Gastbeitrag befasst sich mit dem neuen Phänomen der „High-End-Serie“. Ein neues Interview thematisiert die Stoffentwicklung von „Der Lehrer“, ein weiteres die Möglichkeiten des transmedialen Erzählens. Ein unverzichtbares Buch für Autoren, Produzenten, Redakteure und Medienjournalisten.

„Mit großem Fachwissen setzen sich die Autoren mit sämtlichen wichtigen Bestandteilen auseinander. Man erfährt alles über Figuren und Genres, über die Wahl der Erzählweise und die Stilmittel.“ (Film & TV Kameramann)

Gute Dialoge zu schreiben, ist für jeden Autor eine Herausforderung und muss ständig aufs Neue trainiert werden. Denn der Dialog ist das ultimative Mittel, um Figuren Leben einzuhauchen und Szenen packend, rührend oder witzig zu gestalten.

Der erfahrene Dramaturg und Autor Oliver Schütte zeigt, wie Sie wirkungsvolle und spannende Dialoge schreiben – und wie Produzenten, Redakteure und Script Consultants effektiv mit Autoren an Dialogen arbeiten können. In der 4. Auflage seines Standardwerks erläutert Oliver Schütte anhand von aktuellen Filmen und TV-Serien, was gute von schlechten Dialogen unterscheidet und wie erfolgreiche Dialoge geschrieben werden. Dabei hat er auch die Erfahrungen seiner zahlreichen Seminare im In- und Ausland integriert und die wichtigsten Fragen im neuen Streamingzeitalter aufgegriffen.

Die Kino- und Fernsehbilder des 21. Jahrhunderts sind nicht nur weitgehend digital, sondern zunehmend hybrid: Real-Anteile verschmelzen teils unübersehbar, teils unsichtbar mit computergenerierten Erzeugnissen und das endgültige Kino- oder Fernsehbild wird immer häufiger am Computer gefertigt. Wer die Techniken des digitalen Compositings verstehen oder erlernen möchte, dem sei dieses Buch zur Hand gegeben: das derzeit erste deutschsprachige umfassende Lehr- und Handbuch zu den Vorgehensweisen und Tricks des digitalen Compositings. Nach einer Einführung in die Grundbegriffe folgt ein umfassender historischer Überblick über die Geschichte des montierten Bildes. Erklärt werden technische Grundlagen, Animationsgrundlagen, Umgang mit Filtern, Übertragungsmodi, Maskengenerierung und Keying inklusive Informationen zur Bewältigung von Blue-screen-Aufnahmen, Virtuelle Kinematografie, Licht-, Farbe- und Atmosphäre-Grundlagen, Motion Tracking, fortgeschrittenes Compositing, Compositing in experimentalen Anwendungen sowie die Prinzipien der Filmretusche und Filmrestauration. Zahlreiche Abbildungen, Grafiken sowie Fallbeispiele erleichtern den Einstieg in dieses komplexe Thema und illustrieren die gestalterischen Möglichkeiten der vorgestellten Anwendungen und Werkzeuge. Das Buch Setzt keine spezielle Software voraus, die behandelten Prinzipien sind auf jede Software anwendbar.

Sie stemmen Filmprojekte aus dem Boden, begleiten diese oft über Jahre hinweg – und die wenigsten von ihnen rauchen dicke Zigarren. Der letzte Band der »Filmbekenntnisse« zeigt, wie Filmproduzenten hier und heute arbeiten, wie sie Produzenten wurden, was ihre Ziele, ihre Aufgaben, ihre Möglichkeiten sind und mit welchen Unwägbarkeiten und Hindernissen sie zu kämpfen haben. Béatrice Ottersbach und Thomas Schadt lassen namhafte deutschsprachige ProduzentInnen zu Wort kommen: Uli Aselmann (»Die Musterknaben«), Karsten Aurich (»Berlin Calling«), Bettina Brokemper (»Lemon Tree«), Gloria Burkert (»Nirgendwo in Afrika«), Jakob Claussen (»Krabat«), Georg Feil (»Die Krupps«), Ernst Ludwig Ganzert (»Unter dem Eis«), Gerd Haag (»Die Entdeckung der Currywurst«), Rüdiger Heinze (»Parkour«), Nico Hofmann (»Die Flucht«), Doris Kirch (»Buy Borrow Steal«), Britta Knöller/Hans-Christian Schmid (»Requiem«), Thomas Kufus (»24h Berlin«), Marie Noëlle/Peter Sehr (»Die Frau des Anarchisten«), Christian Rohde (»Der Mann aus Oggersheim«), Günter Rohrbach (»Das Boot«), Katharina Trebitsch (»Mein Leben – Marcel Reich-Ranicki«), Philip Voges (»John Rabe«), Regina Ziegler (»Henri IV«). Ein für Film- und Fernsehschaffende ebenso spannendes Buch wie für Filminteressierte, die wissen wollen, wie Filme entstehen.

Film- und Fernsehproduktionen wie »Der Baader Meinhof Komplex«, »Contergan« oder auch Stefan Raab‘s »TV total« rückten in den letzten Jahren nicht nur aufgrund ihrer filmischen Inhalte in den Fokus der öffentlichen Diskussion, sondern auch anlässlich rechtlicher Auseinandersetzungen: Immer häufiger fühlen sich Personen von dokumentarischen oder halbdokumentarischen Produktionen in ihren Persönlichkeitsrechten verletzt und ziehen vor Gericht. Dokumentarfilmer oder Schöpfer anderer nicht-fiktionaler Formate werden aber auch mit anderen Rechtsfragen konfrontiert: Ist das Konzept geschützt? Bestehen Rechte an tatsächlichen Ereignissen oder historischen Geschehnissen? Darf ich Inhalte aus Biografien übernehmen? Haben auch Unternehmen Persönlichkeitsrechte? An wen muss ich mich wenden, wenn ich Musikrechte erwerben möchte? Welche Förderungen kann ich beantragen? Welche Fallstricke lauern bei den Verhandlungen der Verträge mit den Sendern oder anderen Partnern? Knapp und verständlich beantwortet Heidrun Huber die wichtigsten Fragen, die sich bei einer non-fiktionalen Film- oder Fernsehproduktion stellen, und veranschaulicht diese durch zahlreiche Beispiele aus der Praxis. Schritt für Schritt erläutert sie die Rechte am Thema, führt über die Persönlichkeitsrechte und die Einblendung von Werken Dritter hin zu Rechtsfragen bezüglich Finanzierung und Produktion bis zur Auswertung. Dabei werden neben dem Dokumentarfilm als Einzelstück auch jegliche Formen von dokumentarischen und halbdokumentarischen Film- und Fernsehformaten wie Magazinsendungen, Reportagen oder auch Shows berücksichtigt.

Filme zeigen und erzeugen Emotionen. Sie bringen uns zum Lachen und zum Weinen, wir fühlen und wir leiden mit den Figuren. Zwar gibt es zahllose Ratgeber zum Drehbuchschreiben, doch die zentrale Bedeutung der Emotionen blieb lange unberücksichtigt. Roland Zag Setzt mit seinem Buch neue Maßstäbe. Er zeigt, dass die Reaktionen der Zuschauer von universellen sozialen Bedürfnissen bestimmt werden: dem Wunsch nach ausgleichender Gerechtigkeit, nach Loyalität, nach Austausch. Wie erfolgreich ein Film ist, hängt davon ab, ob der emotionale, zwischenmenschliche Kern der Filmstory auf diese Bedürfnisse eingeht. Entsprechend wichtig ist es, sich in der Stoffentwicklung mit den inneren emotionalen Faktoren eines Drehbuchs zu befassen. Dabei sind nicht nur die Beziehungen zwischen den Figuren der Geschichte von Bedeutung, sondern auch die Beziehung zwischen dem Film und dem Zuschauer selbst: der 'Publikumsvertrag'. Roland Zag untersucht dies anhand zahlreicher aktueller Filmbeispiele und gibt konkrete Werkzeuge an die Hand, um aus jedem Stoff ein Maximum an emotionaler Energie herauszuholen. 'The human factor' ist seit Erscheinen der Erstauflage ein dramaturgisches Modell, das sich in der Filmbranche etabliert hat und an zahlreichen erfolgreichen Filmen zur Anwendung gekommen ist. 'Der Publikumsvertrag' richtet sich an Autoren, Produzenten, Redakteure, Dramaturgen, Regisseure, Förderer und Finanziers.

Die erste Film- und Fernsehszenen-Sammlung für SchauspielerInnen. Dieses Buch bietet einen breitgefächerten Fundus an lizenzfreien Kurz-Drehbüchern für das eigene Training, zur Castingvorbereitung oder auch für die Bewerbung und Demobandproduktion: Es umfasst Dialoge und Monologe verschiedener Genres, zugeschnitten auf Männer und Frauen, unterschiedliche Typen, Rollen und Altersstufen. Ein Großteil aller SchauspielerInnen verdient heute sein Geld mit Film und Fernsehen. Damit angehende Schauspieler und Filmemacher trainieren und lernen können, benötigen sie praktische Übungsvorlagen. Und sie brauchen Bewerbungsmaterial: Das Demoband ist als audiovisuelle Visitenkarte für SchauspielerInnen inzwischen ein absolutes Muss, um sich auf dem hartumkämpften Markt durchzuSetzen. Bislang wurden hierfür selbstverfasste Texte, herausgeschriebene Filmszenen oder Theaterdialoge verwendet. Aber Theatertexte haben eine völlig andere Struktur als Drehbücher für Film und Fernsehen und bereits produzierte Filmszenen nachzustellen birgt die Gefahr in sich, dass man seine eigene Fantasie unterdrückt oder mit dem bereits beSetzten Schauspieler verglichen wird. Susanne Bohlmann hat aus über zehn Jahren professioneller Demobandproduktion und Schauspielcoaching eine Sammlung an geeigneten Filmszenen erstellt, diese mundgerecht bearbeitet und strukturiert. Das Material kann nach Herzenslust und individuell als Inspiration genutzt, fantasievoll umgeSetzt oder kreativ gefilmt werden.

„Wer fühlen will, muss hören“ – Filmmusik ist ein entscheidender Schlüssel zu erfolgreicher emotionaler Filmgestaltung. Andreas Weidinger erklärt in seinem Standardwerk, wie wirkungsvolle Filmmusik entsteht und welche Parameter dafür wesentlich sind. Dabei beschreibt er die einzelnen Arbeitsschritte und ihre jeweiligen Herausforderungen und zeigt, wie man Probleme schon im Vorfeld vermeidet oder schnell und konstruktiv löst. Viele Praxistipps erleichtern die Anwendung der erworbenen Kenntnisse in der täglichen Arbeit.

Das Buch will ein besseres Verständnis für das nötige Handwerkszeug von Komponist*innen und die Entstehung und den Einsatz von Filmmusik schaffen, um Komponist*innen, Filmemacher*innen und Auftraggeber*innen zu helfen, Geld, Zeit und kreatives Potenzial so effektiv wie möglich zu nutzen.

Mit der 3., aktualisierten Auflage geht Andreas Weidinger u. a. auf geänderte wirtschaftliche und rechtliche Rahmenbedingungen ein. Zudem ergänzen neue Interviews mit bedeutenden Filmschaffenden den Band.

David Lochner gibt einen Überblick über die vielfältigen Möglichkeiten des Erzählens im virtuellen Raum. Ob Animationsfilm, digitales Spiel oder interaktiver Film – sie alle bieten Autoren und Produzenten neue Wege, Geschichten zu erzählen: Visionen, Träume und Welten zu entwickeln, die das Publikum noch nicht gesehen hat. Die zunehmende Digitalisierung hat nicht nur den Film revolutioniert, sondern auch neue Medien erschaffen, wie das digitale Spiel und den interaktiven Film. Herkömmliche dramaturgische Plot-Szenarien werden durch interaktive Erzählschemata neu definiert und erschaffen. Der Nutzer schreibt die Geschichte mit. Was dem Spieler große Freiheit bringt, bedeutet für den Autor eine neue Sicht aufs Storytelling. Durch das Internet können wir diese virtuellen Welten in Form von digitalen Spielen, wie World of Warcraft oder Second Life, betreten und uns in Netzwerken austauschen. Spieler greifen erstmals kreativ in das Geschehen ein und nehmen Einfluss auf den Handlungsverlauf. Der Autor tritt dabei in seiner Funktion des Geschichtenschreibers einen Schritt zurück und gibt Inhalte an die Konsumenten ab. David Lochner zeigt, dass virtuelle Welten mehr sind als eine digitale Alternative zum Kinofilm oder Roman. Sie müssen deshalb als eigenständiges Medium betrachtet werden. Als Medium, das nach eigenen erzählerischen GeSetzmäßigkeiten funktioniert und neue Ansprüche an die Unterhaltung stellt.

Jedes Jahr werden in Deutschland weit über 1.000 Kurzfilme produziert. Nicht alle haben den Erfolg, der ihnen zu wünschen wäre. Welche Stoffe braucht der Kurzfilm? Und – wenn man den richtigen Stoff gefunden hat – wie finanziert man den eigenen Film bzw. wertet ihn optimal aus? Frank Becher beschreibt in seinem Buch alle wichtigen Schritte der Kurzfilmproduktion. An zahlreichen Beispielen aus der Produktionspraxis erfährt der Leser, wie eine Kurzfilmproduktion erfolgreich durchgeführt wird. Interviews mit Filmemachern, Förderern, Festivalmachern und Verleihern vermitteln darüber hinaus ein authentisches Bild, welche Kriterien Entscheidungsträger bei der Bewertung von Kurzfilmen anlegen. 'Kurzfilmproduktion' ist ein praktischer Leitfaden, der Filmemachern und Nachwuchsproduzenten anhand von zahlreichen Checklisten und Insidertipps den Weg in die professionelle Kurzfilmproduktion ebnet. Ein besonderes Augenmerk der Neuauflage gilt den Veränderungen durch die Digitaltechnik, die in der Kurzfilmproduktion den klassischen Film nahezu verdrängt hat.

Die szenische Auflösung eines Filmes ist ein kreativer Vorgang, der dem eigenen Geschmack und dem individuellen Stil der Kamerafrau/des Kameramannes bzw. der Regisseurin/des Regisseurs unterliegt. Doch sollten Filmschaffende immer auch die Wirkung der gewählten Kameraeinstellungen beim Zuschauer vor Augen haben: Wird damit auch wirklich die Emotion geweckt, die sie/er hervorrufen möchte? Heiko Raschke gibt dem Leser einen praktischen Leitfaden an die Hand, wie man eine Szene effektiv und zuschauerorientiert auflöst.
Hierfür erklärt er zunächst die Bedeutung des Floorplans bzw. der Blueprints als wichtige Grundlage für die reibungslose Zusammenarbeit am Set. Anhand von Übungen kann der Leser daraufhin eigene Auflösungen von personenzentrierten oder handlungszentrierten Szenen erstellen und so dem eigenen Stil auf die Spur kommen. Um die Wirkung beim Zuschauer nicht dem Zufall zu überlassen, zeigt Heiko Raschke, wie unsere menschliche Wahrnehmung funktioniert und warum die »Proxemik« als Erforschung des menschlichen Raumverhaltens für den Filmdreh bedeutend ist: Denn Kamerapositionen, Einstellungsgrößen, Objektivwahl und Kamerabewegungen sind immer auch gewählte Standpunkte der Betrachtung und beeinflussen auf vielseitige Art und Weise die Wirkung eines Filmbildes. Der filmische Raum wird so zu einem bewusst zu konstruierenden Raum – auch in 3D. Mit der von Heiko Raschke aufgezeigten Strategie von der Festlegung eines visuellen Konzepts über die Arbeit am Drehbuch, die Auflösung bzw. Szenenarbeit hin zur Shotlist kann der Leser Schritt für Schritt die eigene Handschrift entwickeln.
Diese Auflage wurde noch einmal umfassend überarbeitet, weil sich der Markt und die Technik ständig weiterentwickeln. Dabei wurde allerhand Feedback der Leser in die Überarbeitung mit eingeflochten.

Vor dem Drehbuch kommt das Treatment, kommt das Exposee, kommt vielleicht auch die Outline oder das Serienkonzept. Nicht das fertige Drehbuch, sondern diese kurzen Texte sind die zentralen 'Verkaufsargumente' für jede Film- und Fernsehproduktion. Anhand ihrer werden Stoffpotenzial und -qualität eingeschätzt. Sie sind die Basis für jede Produktions- und Förderentscheidung. Dennis Eick erklärt in seiner aktualisierten Neuauflage die Anforderungen dieser Textformen: Wie verfasse ich ein aussagekräftiges und lebendiges Exposee? Wie soll mein Treatment aufgebaut sein? Was muss ein Serienkonzept beinhalten? Gibt es formale Einschränkungen? Wie kann ich durch meinen Stil den Leser begeistern? Wie entwickle ich auf diesen wenigen Seiten runde Figuren? Wie einen spannenden Plot? Welche Informationen sind überflüssig, welche notwendig? Anschaulich zeigt er Filmstudierenden, Autoren, Producern und Dramaturgen wie sich Struktur, Stil oder Figurenführung in den Texten unterscheiden, wie man seinen Stoff konsequent entwickelt und wie man mit der richtigen Präsentation überzeugen kann. Als Praxisbeispiele dienen Exposees und Treatments von z.B. 'Lola rennt' oder das Serienkonzept zu der ZDF-Serie 'Die letzte Spur'.

Lassen Sie sich von Hannes Rall durch die faszinierende Welt des Animationsfilms führen. Ob Drehbuch oder Storyboarding, figürliches Zeichnen oder Charakterdesign: Anhand zahlreicher exklusiver Illustrationen erklärt der erfolgreiche Trickfilmer die einzelnen Schritte der Konzeption – von den gestalterischen Grundlagen bis zu den modernen Animations- und Produktionstechniken. Aber das ist nur der Anfang.

Um der eigenen Idee Leben einzuhauchen, müssen Design und Bewegungen überzeugend gestaltet sein. Hannes Rall zeigt mit vielen praktischen Tipps und Fallstudien, wie visuelles Erzählen funktioniert, sodass auch Professionals Neues entdecken werden. Darüber hinaus geben junge und etablierte Animationskünstler Einblick in ihre Arbeit mit Bildern aus ihren Filmen und bisher unveröffentlichtem Produktionsmaterial.

Mit der Stop-Motion-Expertin Kathrin Albers (Professorin für Animation an der Kunsthochschule Kassel) und Melanie Beisswenger (Professorin für Animation an der Ostfalia Hochschule für angewandte Wissenschaften) konnten zudem zwei renommierte Beiträgerinnen gewonnen werden.

Die Erstauflage hat sich zu einem wichtigen Standardwerk etabliert und ist in der deutschen und englischen Ausgabe in über 160 wichtigen Universitätsbibliotheken präsent, darunter Stanford, Yale, Cornell, UCLA und Columbia. Für die 2. Auflage wurde das Buch umfassend aktualisiert, überarbeitet und auf den aktuellen technischen Stand gebracht. Brandneue Interviews mit den deutschen Animationslegenden Andreas Deja und Volker Engel sowie mit Oscar-Preisträger und Disney-Experte John Canemaker und dem CG-Spezialisten Isaac Kerlow runden die Reise durch die Welt der Animation ab. Hinzu kommen zahlreiche neue Illustrationen zu aktuellen Projekten.

Werbe-, Produkt-, Image-, Schulungs-, Messe- oder Eventfilme – der Corporate Film boomt und die visuelle Präsenz von Unternehmen und Organisationen gewinnt weiter an Bedeutung.

Peter Benkowitz bietet einen kompakten Leitfaden für die professionelle Planung und Realisierung vom ersten Briefing bis zur Endabnahme. Anhand praxiserprobter Beispiele gibt er einen unverstellten Einblick in die Produktion eines Corporate Films und seinen Arbeitsalltag. Dabei nimmt er kein Blatt vor den Mund, sondern redet Klartext. Er bringt alle wichtigen Key-Facts für die eigene Arbeit auf den Punkt und zeigt, welche Fallstricke es gibt: Wie kommuniziere ich mit dem Kunden? Welches Medium bietet sich für dessen Vorhaben an? Wie sind die Aufgaben innerhalb der Produktion verteilt? Was macht ein gutes Exposé oder Drehbuch aus? Wie kalkuliere ich ein Angebot und auf worauf muss ich bei einem Vertragsabschluss achten?

Unbedingte Praxisnähe, hilfreiche Tipps aus über 20 Jahren Berufserfahrung und zahlreiche Übungen zum Sich-selbst-Ausprobieren machen das Buch zu einem unverzichtbaren Workbook für Filmemacher. Die Struktur des Buches findet ihre Ausrichtung an den Workshops des Autors, die er erfolgreich seit 2005 bei der Bavaria, der Münchner Filmwerkstatt, diversen Filmhäusern und zuletzt an der eigenen Corporate Film Academy Munich gegeben hat.

Ein fertiges Drehbuch, ausreichend Geld und die feste Absicht, daraus einen Film zu machen – und nun? Wie stelle ich fest, wann der ideale Drehzeitraum ist, wie viele Drehtage mein Projekt benötigt und was ich an welchem Tag drehe? Und wie strukturiere ich die Arbeit an einem Drehtag?
Jesper Petzke bringt die Organisation der Arbeitsabläufe und Entscheidungsprozesse bei der Produktion von Spielfilmen und Serien auf den Punkt. Das Spektrum dieses praktischen Leitfadens reicht dabei von der Planung bis zu ihrer Umsetzung.
Die überarbeitete und aktualisierte Neuauflage wurde an aktuelle Entwicklungen in der Filmbranche angepasst und legt einen zusätzlichen Schwerpunkt auf das neuerdings so beliebte Serienformat mit seinen vielfältigen Eigenheiten.

Jedes Jahr werden mehr Dokumentarfilme produziert, im Fernsehen steigt der Anteil non-fiktionaler Programme und Dokumentarfilmfestivals erfreuen sich wachsender Beliebtheit. Doch die Produktion eines Dokumentarfilms ist mit vielen Unwägbarkeiten verbunden: Schon bei der Finanzierung stehen Produzenten oftmals vor großen Hürden und zahlreichen Regularien, die es zu beachten gilt. Paul Rieth bietet einen Überblick über die etablierten Strukturen der Filmfinanzierung deutscher Filmförderungseinrichtungen und des Fernsehens. Außerdem stellt er die unterschiedlichen Verwertungsformen von Dokumentarfilmen (Fernsehen, Kino, DVD, Festivals) vor und analysiert diese hinsichtlich ihres Nutzens. Aber auch neue und innovative Finanzierungs- und Distributionswege bezieht er mit ein: Durch Crowdfunding und Video-on-demand erschließen sich Dokumentarfilmern ganz neue Möglichkeiten, Gelder auch unabhängig von Förder- und Fernsehanstalten zu akquirieren und Projekte ohne die Zustimmung von Gremien oder Fernsehredaktionen zu verwirklichen. Durch geschicktes Marketing werden Zielgruppen bereits vor und während der Filmherstellung eingebunden.

Die Webdoku ist die erste Erzählform, die den interaktiven Charakter des Internets nutzt, um Geschichten zu erzählen. Als nonlineare Weiterentwicklung des Dokumentarfilms arbeitet sie mit Texten, Bildern, Audio- und Videodateien und lässt so die Grenzen zwischen Reportage und Videospiel verschwimmen. Passive, rein konsumierenden Zuschauer werden zu Akteuren, die auf vielfältige Art in die Handlung eingreifen und den Ablauf der Geschichte selbst mitbestimmen. Das Buch bietet einen Überblick über Entstehung, Produktionsbedingungen und Dramaturgie von Webdokus und ermöglicht Medienmachern, Studierenden und Lehrenden so einen schnellen Einstieg ins Genre. Andrea Figl stellt dabei die wichtigsten Player und ihre Projekte vor, analysiert die Produktionshintergründe und untersucht die dramaturgischen Aspekte einer Webdoku. Die Webdoku wird hier als innovative Erzählform an der Schnittstelle zwischen Film, Journalismus, Kunst und Computerspiel vorgestellt: als neuer Weg, dokumentarische Geschichten zu erzählen und als neue Art, Publikum für diese Geschichten und Themen zu gewinnen. Denn weder Mediengestalter noch Sender oder Contentprovider können sich länger mit nur einem Medium oder nur einem Vertriebskanal begnügen, wenn sie Aufmerksamkeit auf ihre Projekte lenken und Publikum an sich binden wollen. Mit ihrem interaktiven Ansatz und ihrem Multiplattform-Potenzial sind Webdokus damit ein Muss für alle, die zeitgemäßes Infotainment machen wollen.

'Beklagen Sie sich nie über zu wenig Zeit oder Geld. Für einen originellen Film benötigen Sie kein Geld, und mehr Zeit haben andere meistens auch nicht. Betrachten Sie alle Unwägbarkeiten, alle Hindernisse als Chance, die Dinge neu anzuordnen, als Gewinn. Betrachten Sie eine Filmproduktion als Abenteuerreise, auf die man sich natürlich gut vorbereitet, aber auf der man trotzdem jede Menge Überraschungen erleben wird.' Klaus Weller Ein praktischer Ratgeber für alle, die ohne großes Budget und technischen Aufwand Filme drehen wollen: Unsere Empfehlung für alle Pädagogen. Denn Filmen ist cool, macht Spaß und fördert die Kreativität. Einfach reinlesen und loslegen: Klaus Weller zeigt, wie es geht – von der Idee bis zur Premiere. Bescheren Sie sich und Ihren jungen Stars ein Erfolgserlebnis: Film ab!

Dein Begleiter für alle Arbeitsphasen des Film- und Fernsehschauspiels: Trainiere mit Nick Dong-Sik Deine Körpersprache als Schlüssel zum Schauspielerfolg. Während es in der Szenenarbeit häufig ausschließlich um Gefühls- und Denkprozesse oder Dramaturgie geht, legt Nick Dong-Sik den Fokus ganz auf unseren Körper. Denn unser Körper ist kontrollierbar und bietet so Schauspielern, die am FilmSet punktgenau funktionieren müssen, einen sicheren Anker – ganz unabhängig von Tagesform und Gefühlslage. Optimale Kamerapräsenz mit künstlerischem Ausdruck zu verbinden, ist dabei das Ziel: Wie zeigt man authentische Emotionen, Gedanken und Bewegungen in verschiedenen Einstellungsgrößen für egal wie viele Takes? Wie bewahrt man kreative Spielfreude, aber ebenso Erdung und Stillness, während man sich am FilmSet auf so vieles gleichzeitig konzentrieren muss? Dieses Buch führt Schauspieler durch Theorie und Praxis – vom Drehbuch bis zum Drehtag. Es richtet sich an jeden, der sich für Filmschauspiel interessiert bzw. in diesem Bereich professionell arbeiten möchte: vom Schauspielschüler bis zum Berufsschauspieler, vom Theaterschauspieler, der zum Film wechseln möchte, bis hin zum engagierten Hobbyschauspieler. Aber auch Regisseure und Regiestudenten können von diesem Buch profitieren, weil sie darin eine Menge guter Werkzeuge für die Schauspielführung am Set finden werden. Mit 39 exklusiven Trainingsvideos, die zeigen, wie es vor der Kamera funktioniert. Unter Mitarbeit von Claudia Dalchow. Mit einem Vorwort von Iris Baumüller (Casting-Direktorin: u.a. "Stromberg").

Fernsehen ist nie direkter zu erleben als beim Live-TV. Kommentiert, geschnitten und ausgestrahlt auf die Sekunde – eine Übertragung in Echtzeit. Top oder Flop liegen daher nirgendwo so nah beieinander wie bei einer Live-Sendung. Ob bei Nachrichten, Magazinen, Shows oder Events: Jede Sekunde im Sendeablauf muss perfekt sein, denn ohne sorgfältige Planung und ohne Kenntnisse der Produktionszusammenhänge läuft nichts im Live-Betrieb. Wolfgang Lanzenberger, Leiter Regie der ProSiebenSat.1 Produktion, erklärt, auf was es bei einer Live-Sendung ankommt. Von der Themenplanung über die Bildgestaltung bis zur Ablaufsteuerung, dem Einsatz von Grafiken und virtuellen Effekten sowie der Anbindung zu Social-Media-Kanälen zeigt der erfahrene Regisseur und Fernsehjournalist, wie die Arbeit im Studio reibungslos funktioniert. „Live-TV“ ist mit vielen konkreten Beispielen, Checklisten, Filmen und Interviews auch ein Ideengeber für erfolgreich produziertes Fernsehen, das sich in einem verschärften Wettbewerbsumfeld künftig noch stärker behaupten muss. Ein unverzichtbarer Ratgeber für alle, die mehr über die Königsdisziplin des Fernsehens erfahren möchten – oder eine Karriere als TV-Profi planen.

Die Regisseure und Autoren Christian Mertens und Bartosz Werner widmen sich in der 2. Auflage ihres Buchs sieben wichtigen Tools, die bei der Entwicklung eines Drehbuchs helfen. In dieser vollständig überarbeiteten Neuauflage besprechen sie anhand bekannter Filme und Serien u.a. die Kraft der Außenseiter*innen und die Sogwirkung von Kausalität und gehen auf die Entwicklung von Figuren in einem System ein. Immer mit dem Ziel, dass das hier versammelte Wissen auch anwendbar ist. Ein Buch, das aus der Praxis kommt, mit den modernen Dramaturgietheorien abgeglichen ist und wieder in der Praxis mündet.

In dieser aktuellen Auflage finden Sie u.a. Erweiterungen zum Thema „Systemdramaturgie“, was besonders für die Entwicklung mehrdimensionaler Geschichten im Serienbereich hilfreich ist. Dabei wird der Blick auf die Ausgestaltung von ambivalenten Figuren (u.a. in "Killing Eve" und "GLOW") gelegt, die es trotz ihrer Ecken und Kanten schaffen, uns Zuschauer*innen zu berühren. Neu ist auch ein Blick in den Bereich der Kinderserie: Andreas Hykade kommt zu Wort, der Autor und Regisseur der beliebten Kinderserie "TOM und das Erdbeermarmeladebrot mit Honig". Er beschreibt die Entstehung seiner Hauptfigur Tom mit seinen Bedürfnissen in der Gemeinschaft. In den neu ergänzten Bonustracks „Liebe auf den ersten Blick“ und „Macht der Fiktion“ finden Sie eine Vertiefung und Erweiterung des Themenspektrums.

Die beiden Autoren nehmen die Sichtweise von Regisseuren ein, denen stets bewusst ist, dass nur mit einem stimmigen Drehbuch auch ein stimmiger Film zu machen ist. Denn in der Dramaturgie sind alle relevanten Elemente enthalten, um wichtige Entscheidungen für die anstehenden Projekte treffen zu können, sei es in Gesprächen mit Verleihern, Sendern, Produktionsfirmen, der Regie, dem Team, bei den Proben mit den Darsteller*innen oder später im Schneideraum. Ist das Konstrukt Ihrer Erzählung stimmig und „characterdriven“, entwickelt sich Ihr Stoff besser, nimmt Fahrt auf und überrascht Sie bei jedem weiteren Schritt selbst. In jedem Fall wird hiervon der fertige Film profitieren.

Die Website zum Buch: http://www.drehbuchimgriff.de
Auf Facebook: http://www.facebook.com/drehbuchimgriff/

„Digitale Formatentwicklung: Nutzerorientierte Medien für die vernetzte Welt“ präsentiert eine bahnbrechende Methode für die Entwicklung innovativer Medien im digitalen Zeitalter.

Anhand aktueller Praxisbeispiele vermittelt das Buch Ansätze und Werkzeuge für die Konzeption, Gestaltung und Verbreitung von neuartigen Medienangeboten. Aspekte wie Interaktion, Gamifizierung und Nutzerbeteiligung kommen dabei genauso zur Sprache wie Impact-Strategien, Reichweite und Social Media Marketing. Mithilfe von Design Thinking, agilen Methoden und Prototyping werden die Mediennutzer konsequent in den Mittelpunkt gerückt. Die branchenübergreifende Herangehensweise des Buches erschließt dem Leser immer wieder unerwartete, zukunftsweisende Perspektiven – ganz besonders in Bezug auf emergente Technologien wie Augmented Reality (AR), Virtual Reality (VR), Big Data, künstliche Intelligenz, maschinelles Lernen und das Internet der Dinge.

„Digitale Formatentwicklung“ ist ein Must-read für alle Erzähler und Medienschaffende, die die vielfältigen Chancen und Möglichkeiten des Digitalen nutzen wollen, um ihr Publikum zu erreichen und zu begeistern.

Die Autorinnen bieten in diesem Buch kreative Ideen und praktische Anleitungen für eine nachhaltige und assoziative Filmsprache in Fiction, Doku, Journalismus, PR und Werbung an. Sie werfen einen frischen, undogmatischen und alltagstauglichen Blick auf die zahlreichen Möglichkeiten der Filmgestaltung und demonstrieren anhand vieler Beispiele, wie und warum diese Sprache beim Publikum ankommt. Wie erzählt man etwa Geschichten, wenn die Bilder fehlen? Weil die Themen zum Beispiel abstrakt sind (etwa in Wirtschaft und Wissenschaft) oder von den Gefühlen des Protagonisten handeln? Ein reichhaltiges Buch, das eine neue Systematik von Filmsequenzgestaltung vorstellt und diese mit Erkenntnissen aus der Kognitionsforschung begründet.

Kaum ein filmisches Genre boomt in den letzten Jahren so sehr wie die Serie. Aber wie entwickelt man eine Serie? Und vor allem: Wie schreibt man ein Serienkonzept, das die Grundidee auf den Punkt bringt? Das die meisten Fragen beantwortet (aber nicht alle, so dass die Neugier nicht gestillt wird)? Das sich mitreißend liest und mit dem man Sender/Streamingdienste und andere Geldgeber überzeugen kann?

Dennis Eick ist erfahrener Drehbuchautor und vermittelt in diesem Buch das nötige Handwerkszeug. Er lotet die einzelnen Aspekte eines Serienkonzepts aus, u.a. Logline, Kurzpitch, die Idee, Figur, Struktur, Tonalität, Thema, Setting, Dialogbeispiele aber auch Themen wie Länge, Layout oder Zielgruppenansprache.

Das Serienkonzept bleibt nicht in der Theorie, sondern präsentiert darüber hinaus Beispiele aus der Praxis: Serienkonzepte von so erfolgreichen Serien wie Hindafing, Frau Jordan stellt gleich, Unter Freunden stirbt man nicht, Soko Potsdam, Wild Republic, Magda macht das schon! und Mein Freund, das Ekel, begleitet von Statements der Macher über die Entwicklung ihrer Formate, den kreativen Prozess und die Unterschiede zwischen der ersten Grundidee und dem finalen Werk, der abgedrehten Serie.

Dieses Buch richtet sich an Drehbuchautoren, Produzenten und Redakteure vor allem aber an Film- und Drehbuch/Dramaturgiestudenten.

Das neue Zeitalter der Streamingwelt bedeutet nicht nur einen Umbruch der Sehgewohnheiten des Publikums, die Entwicklung der Geschichten hat sich ebenfalls radikal verändert. Serien führen ihre Erzählungen über Stunden aus und sind komplexer und diverser. Filme werden nicht nur für den nationalen Markt produziert, sondern öffnen sich einem weltweiten Adressatenkreis. Der Prozess der Drehbuchentwicklung rückt dadurch immer deutlicher in den Fokus und ist zunehmend durch Teamarbeit geprägt.

Oliver Schütte hat vor mehr als zwanzig Jahren das Standardwerk "Die Kunst des Drehbuchlesens" präsentiert. Nun bietet er auf dieser Basis ein aktuelles und zukunftsweisendes Buch für alle, die an der Entwicklung von Drehbüchern beteiligt sind. Er hat seine jahrzehntelange Erfahrung in den Bereichen Konzeption, Kreation und Produktion von Filmen und Serien einfließen lassen.

Er informiert über Figuren und Aufbau, Konflikt und das emotionale Thema. Anschaulich erläutert er die Dramaturgie anhand von Filmklassikern und aktuellen Beispielen. Er erklärt prägnant alle Elemente von wirkungsstarken Geschichten.

Darüber hinaus charakterisiert er, was eine gelungene und konstruktive Zusammenarbeit ausmacht. Er beschreibt die Aufgabe nicht nur der Kreativen, sondern auch die der Produktion, Regie und der Verantwortlichen bei Sendern und Streamern. Dabei liegt ein wichtiger Aspekt auf dem kooperativen Teamwork aller und wie dieses erreicht werden kann.

Dieser Band ist unverzichtbar für diejenigen, die erfolgreich Drehbücher entwickeln wollen.